¿Que tipos de cámaras existen?
La clasificación de las cámaras puede hacerse atendiendo a varios
criterios: su forma, el formato de la película, el sistema de visión, y su uso.
CÁMARA SUBMINIATURA O ESPIA:
Son las cámaras de serie más pequeñas que existen. Están
concebidas para uso científico y militar, se las conoce también como cámaras
espía. Utilizan película de formatos especiales, por lo general rollos de 16
mm. de anchura.
El modelo más conocido es la MINOX C, que impresiona 35
fotogramas 8x15; monta un objetivo de 15 mm., f/3,5 y un obturador electrónico
con velocidades comprendidas entre 10 s. y 1/1000.
Como no tienen anillo de enfoque y suelen estar enfocadas a la hiperfocal del
objetivo, la distancia mínima de enfoque (importantísima para copia de
documentos en espionaje) se determina desenrrollando la propia cadenita
graduada que vale de sujección.
Existen ampliadoras y proyectores específicos para este tipo de cámaras.
CÁMARA"POCKET" O 110:
Al contrario que las anteriores, estas cámaras están
pensadas para aficionados y caben fácilmente en un bolsillo. Suelen estar
equipadas con un objetivo de foco fijo de 25 mm. Un ejemplo clásico es la Kodak
Pocket Instamatic. Todas llevan película en rollo de 16 mm., alojada en un
pequeño chasis con dos núcleos, proporcionan 12, 18 ó 20 fotogramas 13x17 mm.,
correspondientes al código de película denominado 110.
Cada día son más raras, ya que su nicho comercial está
siendo ocupado por las APS y las de visor directo.
CÁMARAS
A.P.S. (Advanced Photo System)
Nuevo sistema creado en 1996 por acuerdo entre las compañías Kodak, Fuji,
Nikon, Canon, Polaroid y Agfa para conseguir la máxima sencillez para el
aficionado. Las cámaras son específicas y más pequeñas que las de 35mm.
En este sentido, el proceso de carga de película se ha
simplificado al máximo y sobre ella se pueden impresionar tres
"formatos" de negativo (clásico, high definition y panorámico), que
en realidad no son tales sino máscaras sobreimpuestas sobre el negativo.
Presenta innumerables ventajas como el
cambio de película a la mitad de rollo, indicadores de estado, impresión de
datos, etc. La gama de cámaras abarca desde las sencillas de aficionado hasta
las casi profesionales.
CÁMARAS
DE VISOR DIRECTO Y COMPACTAS DE 35 mm.
A estas cámaras se les denomina de muchas formas ya que son
abundantísimos los modelos.
Las hay desde 1000 pts (las nuevas cámaras desechables), pasando por todas las
compactas autofoco (algunas muy sofisticadas y tan caras como algunas SLR),
hasta las de altísima calidad, como las Leicas con telémetro, y objetivos
intercambiables cuyo precio supera las 300.000 ptas.
Tienen como ventaja su menor peso al carecer de pentaprisma y sobre todo de un
diáparo extremadamente silencioso (ideal para conciertos y Naturaleza) y,
además, la posibilidad de seguir observando el sujeto mientras se dispara; ya
que no hay espejo que se levante y ocluya la pantalla de enfoque.
Utilizan
película perforada en chasis de 35 mm., también llamado 135 o de paso
universal. El formato de fotograma más corriente es de 24 x 36 mm., aunque unas
pocas usan los hacen en 18 x 24 y por tanto consiguen el doble de fotogramas.
Existen también algunas que utilizan película en cartuchos "pack" de
código 126, que proporcionan 12 ó 20 copias cuadradas de 28x28 mm.
Debido al visor óptico presentan, a distancias cortas, error de paralaje.
SLR
de 35 mm.
Se incluyen en este grupo las réflex de un sólo objetivo y
paso universal. Son las cámaras más sofisticadas y versátiles que existen.
Además cuentan con innumerables accesorios que componen un sistema con el que
se puede fotografiar en cualquier situación.
Son modelos de este grupo las Zenit RX, Pentax P30N, Nikon F-4, Canon Eos-1, y
muchísimos más.
Todas, en general, poseen las siguientes características:
Ópticas intercambiables: el objetivo standard puede ser
cambiado por otros de distinta longitud focal. Algunas marcas cuentan con casi
un centenar de objetivos desde 8 a 2000 mm,Visor pentaprisma, con enfoque, encuadre, y lectura del
exposímetro a través del objetivo.
Exposímetro incorporado tipo TTL.
Obturador Plano-focal con velocidades comprendidas
entre los 30" y 1/8000 de segundo.
Diversos mecanismos de control como el autodisparador,
anillo de ajuste de la sensibilidad de la película, zapata de conexión para
flash, contactos para motor, lector de código DX, etc.
Mientras no especifiquemos lo contrario, todas las
referencia que hagamos sobre la cámara fotográfica, se refieren a este grupo,
por ser el más utilizado en fotografía científica y general.
SLR DE MEDIO FORMATO
Son
réflex de un sólo objetivo y sin pentaprisma, por lo que la imagen al rebotar
una sola vez, presenta inversión lateral. aunque algunos modelos pueden acoplar
como accesorio, un voluminoso pentaprisma que endereza correctamente la imagen.
Todas utilizan película en rollo de 70 mm. de ancho. Esta
película se presenta enrollada junto con un papel negro. Sobre ella pueden
impresionarse diversos formatos de negativo; los más corrientes son los de 4,5x6,
6x6 y 7x6 cm., correspondientes a los códigos: 120, 220 y 620. Algunas admiten
también respaldos para película instantánea.
A diferencia del grupo anterior, estas cámaras son menos sofisticadas, carecen
la mayoría de exposímetro, no llevan autofoco, ni telémetro, ni autodisparador,
y sus obturadores pueden ser de tipo central o planofocales, pero raramente
superan 1/1000 de segundo.
Hoy en día existe la tendencia a ir incorporando poco a poco los avances de la
SRL de 35 mm en este grupo.
Como ventaja presentan un formato de tres a cinco veces
superior al de paso universal; este formato, en ocasiones es el único aceptado
en artes gráficas.
Son cámaras de este grupo: la serie 500 de Hasselblad, la Mamiya C, Las
Bronicas, entre otras.
CÁMARAS PARA FOTOGRAFÍA INSTANTÁNEA
La
historia de estas cámaras nace con el invento de la película autorevelable por
el doctor Edwin Land en 1947.
Las cámaras actuales son de dos tipos: en unas, tras hacer
la foto se tira de una lengüeta y se saca una copia que, tras esperar unos
segundos, se separa en dos capas: un negativo y un positivo. En el otro sistema
no hay que tirar de nada y la foto sale sola y se autorevela.
Ambos sistemas, actualmente con patente exclusiva de Polaroid, se basan en la
existencia de una ampollas de reactivos incluidas en la hoja, que revientan al
salir por los rodillos de la máquina. Lógicamente sólo utilizan película en hojas,
y con una serie de formatos específicos para ellas.
Tras perder con ellas Kodak el pleito del siglo, las cámaras
Polaroid son actualmente las únicas representantes de este grupo.
Las anteriores son sólo algunas de las cámaras más comunes.
Tipos
de lentes
Muchas cámaras usan lentes intercambiables. La diferencia en estos lentes reside en la longitud focal, que no es más que la distancia que existe
entre el centro óptico del lente y el punto donde este enfoca (el plano
de foco). La longitud focal es lo que determina cuan cerca o cuán lejos aparecen los objetos cuando la imagen se proyecta en la película o el sensor Esto es
lo que se conoce como aumento. La potencia de este aumento se mide en
milímetros a demás de esto, la longitud focal determina que parte de la escena es visible o lo que se conoce como ángulo
visual, todos estos elementos determinan como el observador ve el trasfondo y el objeto fotografiado.
Cuando
un fotógrafo habla de la velocidad de sus lentes simplemente se refiere
a la cantidad de luz que se trasmite a través del lente hasta el sensor o
la película.Una apertura grande (f4 por ejemplo permite que entre más
luz que una apertura pequeña (f16). Mientras más rápido es el lente más
caro es. Existen básicamente tres tipos de lentes en la fotografía moderna.
El lente normal o estándar que proyecta una imagen que se parece mucho a lo que el fotógrafo ve con sus propios ojos sin
mirar a través de la cámara. Un lente entre 40 y 55mm es lo que se conoce como
un lente estándar para una cámara de 35mm o DSL
El telefoto permite que el fotógrafo capture la luz desde grandes distancias
y que los objetos aparezcan estar mas cerca de lo que realmente están. Los
lentes entre 70-105mm son considerados telefotos cortos y se les conoce
a veces como los lentes para retratos, puesto que son los lentes ideales
para fotografías desde los hombros hacia arriba.Un lente de 200mm es el telefoto mas común. Los paparazzis,
fotógrafos deportivos y los observadores de aves utilizan por lo general
telefotos de alrededor de 400 a 600mm.
Los
lentes gran-angular son el lado
opuesto de los telefotos y hacen que la escena aparezca mucho mas de lejos
de lo que esta en realidad pero tiene como ventaja que el campo visual es
mucho mas grande los lentes de menos de 35mm son considerados
gran-angular los lentes alrededor de los 24mm se consideran
ultra-gran-angular.
Actualmente, el
mercado se ha abocado a dos tipos principales de lentes: los lentes de
longitud focal fija (Primordial) y los lentes Zoom. Estos últimos le permiten
variar la longitud focal (y por lo tanto el angulo visual) mientras que el
foco permanece constante. Los
lentes Zoom tienen diferentes longitudes focales, como ya dijimos y
esta puede ser cambiada mediante uno de los anillos en el lente, anteriormente
todos los lentes zoom eran telefotos por lo que muchas personas usan los
términos para significar la misma cosa,esto es un error, puesto que hoy
en día existen lentes zoom que van desde gran-angular hasta telefoto.
lente macro. Estos son utilizados para
macro-fotografía o de acercamiento estos lentes tienen las mismas características
de los lentes normales, pero permiten enfocar mucho mas de cerca al
sujeto. Estos lentes tienen por lo general una longitud focal de 50/55mm o
90/100/105mm. Mientras mayor sea la longitud focal mas lejos podrá usted
colocarse del sujeto.
Los lentes Ojo de Pescado o “Fisheye” se parecen a los ojos de los peces y tienen un ángulo visual de casi cerca de los 180 grados
Las fotos que se obtienen con estos lentes siempre muestran distorsión en
los bordes de la foto.
Profundidad de campo
La profundidad
de campo es un término
utilizado en fotografía para expresar el rango de distancias reproducidas con
una nitidez aceptable en una foto. La profundidad de campo es la zona de tu fotografía que se aprecia nítida. La profundidad siempre aumenta cerrando el diafragma,según
algunos manuales de fotografía, se precisa que, con una abertura media del
diafragma (normalmente de 8 y 11 en las cámaras analógicas), se obtienen las
fotos más nítidas. Esto no quiere decir que esta regla pueda aplicarse a los
objetivos más pequeños de las cámaras digitales.Otra regla teniendo en cuenta la profundidad del campo, antes de realizar una
fotografía, deberá centrarse donde se indica la zona de nitidez del sujeto.
La profundidad de campo es mayor a medida que:
1- El tamaño de la abertura del lente decrece.
2- La distancia al sujeto aumenta.
3- La distancia focal del lente decrece.
El diafragma: Está compuesto por unas pequeñas laminillas metálicas,
imbricadas entre sí en el interior del objetivo. Estas, forman un orificio
regular que determina el diámetro del haz luminoso y por tanto la intensidad de
luz que tendrá el plano focal el diafragma, es el que controla la cantidad de luz que atraviesa el objetivo y también determina la extensión de la profundidad del campo.Algunas combinaciones de abertura y velocidad dan lugar a una exposición
equivalente: en muchas ocasiones la imagen o película se encontrará expuesta a
la misma cantidad de luz, un diafragma muy abierto y una velocidad de
obturación elevada nos darán una profundidad de campo escasa y una abertura más
pequeña y una velocidad de obturación más lenta nos darán un profundidad de
campo mayor.
La velocidad de obturación: Cuando pulsamos el disparador de la cámara, en
realidad lo que hacemos es accionar el obturador, Como ya hemos visto, el
obturador suele ser unas cortinillas situadas delante del negativo, las cuales,
al abrirse, dejan pasar la luz que impresionará la película.
Cuando el tiempo de obturación aumenta o disminuye, el tiempo de exposición de
la película de imagen aumenta o disminuye de forma similar al ajuste del
diafragma, que deja penetrar dos veces más o menos luz con cada graduación.
Para captar con nitidez motivos en movimiento hay que recurrir a una velocidad
alta de obturación, que dependerá de factores como la velocidad del objeto y la
distancia a la que nos encontremos...
Si el motivo viene hacia nosotros o se aleja, necesitaremos una velocidad más lenta
que se cruza el encuadre, debemos situarnos de forma que todos estos factores
nos favorezcan, sin embargo el factor que más nos condicionará a la hora de
escoger la velocidad de obturación será la luz, en condiciones de luz escasa
podemos aprovechar las pausas naturales de los objetos en acción.
Sensibilidad iso
La sensibilidad ISO marca la
cantidad de luz que necesita nuestra cámara para hacer una fotografía este
concepto, que viene arrastrado de la fotografía convencional, se mantiene en la
fotografía digital, aunque sus fundamentos son algo diferentes. El ISO es un
valor que viene de los negativos fotosensibles estos se clasificaban en función
de su sensibilidad a la luz, siendo al principio muy baja (lo que hoy sería un
25ISO, por ejemplo). Después fueron surgiendo películas más sensibles para
fotografías nocturnas, espectáculos, etc. Pero a mayor sensibilidad ISO peor
calidad, dado que aumenta el "grano" o "ruido". Lo puedes
comprobar en una cámara digital cuando intentas ver por la pantalla algo muy oscuro, aparecen como
puntos de color.
El valor que comentas de la lente es, como bien
dices, la apertura del diafragma, que ayuda a que puedas variar la entrada de
luz en la película. Suele complementarse con la velocidad de obturación: a
mayor apertura, menor necesidad de luz ->menor tiempo de exposición. Si por
el contrario quieres cerrar el diafragma para ganar detalle (cuanto más
cerrado, habrá menos cosas desenfocadas), lo complementas con un tiempo de
exposición mayor.
PLANOS FOTOGRÁFICOS Y ÁNGULOS
1. Plano
General o Plano Largo.
Los Planos Largos o planos generales son los que ofrecen un mayor ángulo de
cobertura de la escena. Su función es poner sobre la mesa una situación en que
lo importante es la escena en su conjunto y no un detalle en particular.
El Gran plano general o Plano general largo (P.G.L.) muestra un gran escenario
o una multitud. La persona no está o bien queda diluida en el entorno, lejana,
perdida, pequeña, masificada. Tiene un valor descriptivo y puede adquirir un
valor dramático cuando se pretende destacar la soledad o la pequeñez del hombre
enfrente del medio. Se da así más relevancia al contexto que a las figuras
que se toman o se graban.
2. Plano
General Corto.
El Plano General Corto se centra en los individuos restando importancia al
entorno. Aún se puede intuir la situación en la que están los sujetos, pero
este aspecto es ya mucho más secundario.
3. Plano General Conjunto.
El Plano General Conjunto reduce el campo visual y encierra los personajes en
una zona más restringida, de forma que puede ir individualizando cada objeto o
sujeto de forma más precisa. Cuando se fotografían personas, este tipo de plano
alcanza a capturar la figura completa ajustada a los bordes de la imagen.
4.
Plano Entero.
Los pies y la cabeza de la figura humana limitan prácticamente con los bordes
inferior y superior del cuadro de la imagen.
5.
Plano Medio o De Cintura.
Como su nombre lo indica, es el plano intermedio por excelencia. Se produce a
la altura de la cintura, y empieza a ser considerado un plano de retrato.
Con el plano medio cedemos más importancia todavía a los aspectos emocionales
del sujeto. En esta ocasión cortamos a los personajes por encima de la cintura.
En este plano influirá el hecho de hacer la fotografía en formato vertical u
horizontal, eligiendo el primer caso, el personaje ocupará la gran mayoría de
la escena y el fondo pasará desapercibido.
6. Plano Medio Corto.
Plano medio corto encuadre de una figura humana cuya línea inferior se
encuentra a la altura de las axilas. Es mucho más subjetivo y directo que los
anteriores.
Los personajes pueden llegar a ocupar la pantalla con un tercio de su cuerpo, y
permite una identificación emocional del espectador con los actores.
7. Plano
Americano.
Es un plano americano si el corte de realiza aproximadamente,
a la altura de las rodillas.
Tiene su origen con las películas del oeste, y no fue hasta entonces cuando se
comenzó a hablar de este plano como tal.
8 El
Primer Plano.
El primer plano es el perfecto para el retrato del rostro agranda el detalle y
miniaturiza el conjunto de la escena, eliminando de una vez por toda la
importancia del fondo.
Es tremendamente útil recurrir a encuadres verticales, reservando los
horizontales para cuando tomemos imágenes en las que el rostro se acompaña con
gestos de las manos o queramos jugar con el aire de la imagen.
9.
Primerísimo Primer Plano.
La cabeza llena aproximadamente la pantalla.
El primerísimo primer plano suele caracterizarse por la desaparición de la
parte superior de la cabeza y la fijación del límite inferior en la barbilla
del personaje. La carga emotiva se acentúa y la atención en el personaje es
prácticamente total.
10.
Plano De Detalle.
El Plano Detalle es el plano más cercano.
Como ocurría con otro tipo de planos, el contexto de la escena definirá que se
trate de un plano detalle o no, de esta forma, una imagen de la Torre Eiffel
puede ser un primer plano de la torre o un plano detalle de la ciudad. Este
tipo de planos son difíciles de emplear con acierto, ya que pueden confundir al
espectador al no dar referencia alguna ni del entorno ni siquiera, del propio
sujeto. Los detalles se agrandan al máximo y la carga emocional alcanza su
punto álgido.
El plano detalle suele confundirse con el concepto de foto macro, y no es lo
mismo. Como su nombre indica, el plano detalle muestra un pequeño detalle que,
en un plano "normal" pasaría desapercibido.
TIPOS
DE ÁNGULOS
Ángulo
Normal
Como su
nombre indica, éste es el ángulo habitual con el que fotografiamos y se
caracteriza por establecer una línea entre cámara y objeto fotografiado
paralela al suelo.
Proporciona una sensación de estabilidad y tranquilidad, precisamente
derivada de originarse a partir de una posición con la que solemos no sólo
fotografiar, sino también observar el mundo.
Sin duda, es el tipo de ángulo más empleado y, por ello, cuando lo
que vas a fotografiar está más abajo, en muchas ocasiones te recomendamos que te agaches para
lograr éste ángulo.
No obstante, como siempre conviene conocer y experimentar en determinadas ocasiones
con otros ángulos para ofrecer resultados diferentes.
Ten en cuenta que a veces romper con las normas es lo que hace que una
fotografía destaque por encima de otras que reflejan una misma realidad,
pero desde una óptica o punto de vista completamente diferente.
Y en este sentido, el variar el ángulo de la toma, es, sin duda, una excelente
forma de modificar el punto de vista de un fotografía y el sentimiento que se
quiere transmitir.
Ángulo Picado
Este ángulo se
produce cuando la cámara se sitúa en un plano superior al objeto
fotografiado.
Precisamente esta posición superior también conlleva una situación de
inferioridad, vulnerabilidad o debilidad del objeto dentro de la
fotografía.
Es habitual en fotografía de niños (como consecuencia de su mayor
fragilidad y debilidad),pequeños animales, flores, objetos de
pequeñas dimensiones...
Ángulo
Cenital o Picado Extremo
Cuando
la situación de la cámara con respecto al objeto a fotografiar es de extrema
superioridad, hasta el punto de situarse en la perpendicular al suelo por
encima del sujeto fotografiado, entonces hablamos de ángulo cenital.
Se trata un ángulo que incrementa aún más, si cabe, la sensación de
inferioridad. Por otro lado, si el picado centra mucho la atención en el objeto, con
el cenital abrimos un poco más el campo y mostramos también el contexto que lo
rodea.
Ángulo
Contrapicado
Si el
ángulo picado se consigue situando la cámara por encima del sujeto, el
contrapicado lo logramos situando la cámara en una posición inferior al
objeto a fotografiar.
Con este ángulo dotamos al objeto fotografiado de mayor importancia,
superioridad, magestuosidad y, sobre
todo, de una posición dominante frente al observador.
Es un ángulo de toma muy utilizado en fotografía de edificios, pues
dota a éstos de mayor grandeza. Aunque también puede ser un recurso para
mostrar como superiores a sujetos que se aprecian como inferiores en la
realidad, por ejemplo, los niños, las mascotas...
Si a este ángulo además le sumas el uso de una distancia focal corta, además
conseguirás incrementar más, si cabe, la sensación de superioridad.
Ángulo
Nadir o Contrapicado Extremo
Si
la situación de inferioridad de la cámara frente al objeto a fotografiar
la llevas al extremo, consigues el denominado ángulo nadir. La cámara se sitúa
prácticamente en la perpendicular que une objeto fotografiado y cielo.
Con este ángulo se incrementan al máximo las sensaciones del contrapicado,
poniendo al que observa la fotografía en la piel de una "hormiga"
para la que todo es enorme y "amenazador".
Su uso se reserva casi exclusivamente para fotografía de edificios, ya que
las líneas de éstos dotan de una gran profundidad a las tomas.
1. Composición | La
Regla de los Tercios
Esta
regla de composición es una versión simple de la regla áurea. Es una de las
técnicas de composición más popular por su fácil implantación. Resulta que
estamos habituados a dividir nuestra experiencia visual en proporciones
similares. Es por eso que esta técnica es fácil de aplicar.
Solo tienes que dividir
imaginariamente el encuadre en dos líneas equidistantes verticales y dos
horizontales, Se forman 4 puntos de intercepción en su entorno debes colocar
el sujeto principal o el motivo que queremos resaltar en la composición. Esto crea un arreglo asimétrico de la imagen con el asunto
principal cercano a una de las cuatro esquinas del encuadre donde entonces el
área central de la imagen pasa a ser ocupada por elementos secundarios.
2. Composición | La
ley del horizonte
Esta ley de composición se deriva de la
regla de los tercios y propone que dividamos el encuadre de manera imaginaria en tres
bandas horizontales de igual anchura. Es práctica común asignarle dos de estas
bandas (más o menos, no tiene que ser exacto) a la ubicación del sujeto o
motivo principal de la imagen y una banda (más o menos) a la zona secundaria.
Es
importante señalar que esta técnica no solo se aplica en aquellas imágenes
donde el horizonte natural este presente sino que también es aplicable a
imágenes que tengan una clara división horizontal en su composición que puede
estar dada por sus tonos, colores o elementos visuales.La
amplitud de estas zonas (bandas principales y secundarias) dependerá la mayor o
menor importancia que tenga el elemento principal con relación al secundario.
3. Composición | La
ley de la mirada o el espacio activo
Esta es una ley de composición importante y
poco conocida entre los principiantes del arte de la fotografía y pintura. Esta ley propone que todo
animal, ser humano u objeto tenga espacio libre en la dirección que mira o se
mueve.
Si
observas una imagen que rompa con esta regla es muy seguro que te de una mala
impresión inicial. Eso es porque crea contradicción entre lo que ves y lo que
el cerebro espera. En una imagen de acción o movimiento el cerebro busca
espacio libre hacia el lado donde el movimiento continua, si cortas ese espacio
entonces el cerebro no comprende claramente la escena ya que no hay hacia dónde
ir.
De la
misma manera pasa con la mirada. Si observas a alguien frente a ti mirando
fijamente hacia tu lado izquierdo, tu tendencia natural es girar tu cabeza
hacia ese lado y barrer tu mirada hasta el punto observado. De igual forma pasa
en la foto. Si compones a un animal o ser humano, deberás dejar espacio libre
(activo) frente a él para que al observar podamos dar espacio a nuestro mirada
hacia ese lado igual que lo hacemos en nuestro día a día.
Qué es una trama?
En la
industria gráfica la trama de puntos es un método
creado para la reproducción de las imágenes en medios tonos. Fue un
descubrimiento del ilustrador e impresor norteamericano Benjamín Day
(1838-1916) desarrolló este método para reproducir las luces y sombras de una
imagen en sus impresos.
En el
siglo XIX las ilustraciones para los libros se hacían en madera, a la aguada y
a lápiz, y se grababan a mano, por lo que fue un gran avance la
posibilidad de reproducir fotografías e imágenes con distintos niveles de luces
y sombras.
En las
décadas de los 50s y ’60s del siglo pasado este sistema se instala de forma
definitiva en la industria gráfica a través de las revistas de cómics impresas
en papel de pulpa que usaron puntos bendéi para crear colores y sombreados intermedios de
una manera “económica” al utilizar la misma tinta solida en otros lugares de la
ilustración. Los cuadros más famosos del artista plástico Roy Lichtenstein se
realizaron con la técnica “puntos bendéi”.
La
técnica actual de tramas, consiste en puntos de tamaño variable entre el
1% y el 99%, dependiendo de las líneas por pulgada o LPI (line per inch), la
característica principal es que posee ángulos para cada color y estos
generan una roseta. Esta técnica utiliza la capacidad integradora de la óptica
humana para dar una apariencia de tono continuo dónde en realidad sólo existe
cuatro tonos de tintas de impresión (Cian, Magenta, Amarillo y Negro) además
del color dado por el sustrato o papel.
MOIRÉ: Es la
superposición de dos o más patrones de dibujos (las tramas de semitonos lo son)
suelen producir la aparición de un nuevo patrón repetitivo no deseado.
La
cantidad de líneas por pulgada se conocen como lineatura o frecuencia
de trama. Cuantos más puntos por pulgada lineal presente una trama,
más fina será y tendrá mayor capacidad de reproducir detalle y de dar una mayor
apariencia de tono continuo.
ROSETA:Es importante elegir la frecuencia de trama en
función del sistema y el sustrato que se utilizara para la impresión,
pues no en todos los casos se pueden utilizar tramas demasiado finas, pues
se corre riesgo de que la impresión presente pérdida de información
por saturación o pérdida de punto. Importante mencionar que hoy esta
técnica se denomina AM amplitud modulada (AM Amplitude Modulated) y que ya
existen otras como la FM Frecuencia modulada (FM Frequency Modulated)
y las tramas XM (cross modulated – AM/FM).
Los puntos bendéi los inventó en el siglo XIX Ben Day, y es
un patrón de puntos que se transformo en una técnica de impresión,
definidos como gradaciones de color en líneas y texturas, es decir, las
diferentes áreas de una ilustración que podían rellenarse
con pequeñas formas geométricas y circulares.
Hay dos
tipos de trama estocástica:
Trama AM (modulación de amplitud), trama ordenada, la conocemos
comúnmente porque podemos ver la roseta de los cuatro colores (CMYK) uno puesto
sobre el otro.
Trama FM (trama estocastica), ésta resuelve el problema de la pérdida de
detalle y además ofrece mayor calidad. No utiliza la trama de la anterior
comentada.
La trama estocástica está formada por micropuntos aleatorios de la misma
dimensión pero con distancias diferentes, y en las zonas de alta luz los puntos
están más separados y en las zonas más oscuras más juntos. Aunque cabe remarcar
que la disposición no es aleatoria realmente, se hace mediante un
algoritmo que distribuye, y cuanto mejor es el algoritmo, mejor es el resultado.Ventajas
que ofrece la trama estocástica:
- Mejor calidad de impresión, y con más detalle
- · Mejor tolerancia al registro, por el cálculo del ángulo
- · Eliminación del moaré
- · Menor consumo de tinta para densidad correcta
- · Reproducción ilimitada de los grises
Aunque como el objetivo es siempre mejorar, se ha desarrollado una
tecnología híbrida (XM) en la que se compactan los dos tipos de trama (AM
y FM). Ésta ofrece unos resultados óptimos de calidad y una alta resolución.
La
trama convencional
Expone las siguientes características:
La distancia de puntos en una línea es siempre igual.
Las tonalidades (sombras, luces, medios tonos) están dados por el cambio en
el tamaño del punto.
maneja angulaturas para los degrades, las mismas van de
0º a 90º. según la importancia del color en la imagen, es la angulatura que
tendrá. por lo general el color que define la imagen (negro) se ubica a 45º, mientras que si el cyan está a 75º, el magenta esta a 15º, o viceversa. mientras
que el amarillo se encuentra a los 90º por lo general. se puede decir que los 3
colores más importantes en la imagen se llevan entre ellos 30º en su angulatura
para que el moire no sea visible.
Trama Híbrida
La
trama Híbrida es la mezcla de las dos anteriores. Usa lo mejor de cada una para
desarrollar mejores imágenes. En las zonas donde prevalecen las sombras y las
luces se usa la trama Estocástica, mientras que la Convencional se implementa
en las zonas de medio tono, en las transiciones entre los lugares donde se está
imprimiendo en Estocástica.
Lo primero que debemos asumir por tanto, es que
la práctica de la usabilidad requiere una permanente actitud de empatía, pues
será el usuario en última instancia quien determine la calidad de nuestro
trabajo.
